Như thường lệ, Art Basel Miami Beach diễn ra vào tháng 12 vừa qua là nơi phô diễn vẻ lấp lánh của sự giàu sang và sáng tạo. Rượu sâm panh tuôn chảy, những đám đông giàu có và doanh thu bảy con số trở thành tiêu điểm. Gần như đủ để tin vào một sự thật đơn giản: Thị trường nghệ thuật đã suy thoái; chỉ là chúng ta chưa nhận ra hoặc không thừa nhận điều đó.
Là một người đã dành nhiều năm đắm mình trong thế giới nghệ thuật – với tư cách là một nhà sưu tập, một giáo viên tại Đại học Yale và một tác giả – tôi đã tận mắt nhìn thấy các dữ liệu. Trong một bài báo khoa học năm 2018 mà bản thân là đồng tác giả, tôi đã kiểm tra thông tin của 500.000 nghệ sĩ qua hàng triệu giao dịch. Và tôi và các nhà nghiên cứu đồng nghiệp đã phát hiện ra một sự thật đáng kinh ngạc: Những câu chuyện thành công về tài chính trong thế giới nghệ thuật chỉ dành cho một nhóm cực kỳ nhỏ. Trên thực tế, chỉ có 20 nghệ sĩ – những cái tên như Jeff Koons, Andy Warhol và Damien Hirst – thống trị hơn một nửa giá trị đấu giá của thị trường nghệ thuật đương đại.
Đối với 99,9% tác phẩm nghệ thuật còn lại, lợi nhuận bằng tiền bạc là ngoại lệ chứ không phải là quy luật. Hãy xem xét điều này: Trong số khoảng 80.000 người đam mê nghệ thuật tham dự Art Basel Miami Beach hàng năm, có chưa đến 3% là khách mua thực sự. Với tất cả sự quyến rũ của nó, thế giới nghệ thuật là một hệ sinh thái bấp bênh.
Thị trường từ lâu đã dựa vào lượng người mua ngày càng thu hẹp để thúc đẩy phân khúc “Về cốt lõi, việc sưu tập là sự kết nối – với nghệ thuật, với nghệ sĩ và với câu chuyện văn hóa rộng lớn hơn.” cao cấp nhất và những thách thức này sắp trở nên phức tạp hơn bởi sự chuyển giao tài sản thế hệ chưa từng có. Trong 25 năm tới, ước tính khoảng 73 nghìn tỷ USD sẽ được chuyển từ thế hệ Baby Boomer sang các thế hệ X, Millennials và Z. Một phần trong số đó sẽ được giữ trong các bộ sưu tập nghệ thuật quan trọng, tuy nhiên, những người thừa kế thường thiếu cam kết về mặt cảm xúc hoặc tài chính đối với những tác phẩm này, với khoảng 50% bộ sưu tập được thừa kế sẽ được bán.
Số lượng tác phẩm nghệ thuật tràn lan tràn vào thị trường kết hợp với thị hiếu ngày càng phát triển sẽ gây thêm rắc rối cho các tác phẩm hạng hai. (Ví dụ, trong khi L’Empire des lumières của Magritte gần đây đã bán được gần 121,2 triệu đô la, các tác phẩm siêu thực khác rất khó để bán với giá chưa đến 1% của mức giá đó.) Đó là một mô hình mà chúng ta đã từng thấy trước đây: Vào những năm 1930, đồ nội thất Pháp thế kỷ 18 được đánh giá cao hơn tất cả, trong khi một bức tranh tĩnh vật của Picasso không được bán đấu giá; ngày nay, đó là điều ngược lại. Số phận tương tự có thể sẽ chờ đợi một số nghệ sĩ từ các bộ sưu tập của thế hệ Boomer khi thị trường tràn ngập các tác phẩm không còn phù hợp với thị hiếu đương đại bên cạnh sự suy giảm số lượng các nhà sưu tập.
Và vấn đề không chỉ ở số lượng nhà sưu tập, mà còn là cách thức và lý do họ sưu tập. Ngay cả khi những tên tuổi lớn đang thống lĩnh các không gian triển lãm nghệ thuật trên toàn cầu, hầu hết các nghệ sĩ ở độ tuổi trung niên và mới nổi đều không tạo được sự quan tâm. Nhưng đây là những nghệ sĩ phụ thuộc nhiều nhất vào sự hỗ trợ của các nhà sưu tập có tầm nhìn xa, vượt ra ngoài phạm vi lợi nhuận tài chính. Nếu không có cam kết ở cấp độ thị trường này, tình hình sẽ trở nên ảm đạm.
Vậy tại sao lại cần mua các tác phẩm nghệ thuật? Bởi vì nghệ thuật không – và không nên – chỉ đơn giản là một khoản đầu tư. Nghệ thuật mang lại điều gì đó sâu sắc hơn nhiều: cơ hội hỗ trợ sự sáng tạo, xây dựng các di sản văn hóa và gắn kết với cộng đồng những người bảo trợ có cùng chí hướng. Tôi gọi đây là việc mua hàng có trách nhiệm và các giao dịch này được coi là hành động từ thiện. Khi mua một món đồ, tôi không nghĩ đến giá trị bán lại. Đúng hơn là tôi đang hỗ trợ các nghệ sĩ, tạo điều kiện cho họ tiếp tục sáng tạo. Ngược lại, điều này sẽ giúp duy trì các phòng trưng bày và cộng đồng nghệ thuật để tạo nên huyết mạch của văn hóa. Đối với tôi, sưu tập nghệ thuật là một cách làm tốt đi kèm với phần thưởng hữu hình: một đồ vật tôi yêu thích, một câu chuyện để kể và sự kết nối với một câu chuyện lớn hơn.
Một số nhà sưu tập truyền cảm hứng nhất hiện nay chia sẻ đặc tính này. Swizz Beatz và Alicia Keys tập trung vào việc hỗ trợ các nghệ sĩ da đen đương đại, xây dựng không chỉ một bộ sưu tập mà còn là nền tảng cho những nghệ sĩ không có đủ nguồn lực. Việc Ronald Lauder đi sâu khám phá nghệ thuật Đức và Áo để bảo tồn di sản văn hóa đồng thời thúc đẩy học bổng thông qua Neue Galerie, trong khi sự ủng hộ của Agnes Gund đối với cải cách tư pháp hình sự bảo vệ quyền con người đã khiến cô bán bức tranh của Roy Lichtenstein để thành lập Quỹ Nghệ thuật vì Công lý. Những nhà sưu tập này không chỉ sưu tầm đồ vật mà còn định hình các câu chuyện – tái định vị nghệ thuật theo cách vượt qua vai trò là hàng hóa để trở thành động lực thay đổi xã hội. Bằng cách thúc đẩy những kết nối này, bạn không chỉ sở hữu các tác phẩm nghệ thuật, mà còn giúp đảm bảo sức sống liên tục của nó trong một thế giới đang thay đổi nhanh chóng.
Bộ sưu tập của tôi bắt đầu một cách khiêm tốn nhưng đã tăng lên hơn 80 tác phẩm, mỗi tác phẩm đều phản ánh triết lý này. Tôi nhớ rất rõ tác phẩm đầu tiên mình treo trên tường – niềm vui mà nó mang lại và những cuộc trò chuyện mà nó khơi dậy. Cảm giác đó là vô giá. Đó là lý do tại sao tôi viết cuốn sách How to Collect Art để truyền cảm hứng trải nghiệm điều tương tự.
Về cốt lõi, việc sưu tập là sự kết nối – với nghệ thuật, với nghệ sĩ và với câu chuyện văn hóa rộng lớn hơn. Cho dù đó là một bức tranh của Picasso hay của một tài năng trẻ mới nổi, đằng sau mỗi một giao dịch như vậy đều là một câu chuyện thú vị. Đó là cuộc đối thoại giữa quá khứ và hiện tại, giữa nhà sưu tập và người sáng tạo. Và với tư cách là nhà sưu tập, chúng ta có trách nhiệm duy trì cuộc đối thoại đó. Không phải vì đó là một khoản đầu tư tài chính hợp lý mà vì đó là một khoản đầu tư vào con người. Đó là giá trị đích thực của nghệ thuật và nó đáng giá từng xu.
